Личность и творчество Леонардо да Винчи всегда вызывали повышенный интерес. Слишком неординарной фигурой был Леонардо для своего времени. Печатаются книги и статьи, на экраны выходят художественные и документальные фильмы. Искусствоведы обращаются к учёным и мистикам, в попытках найти разгадку тайны гения великого мастера.
Существует даже отдельное направление в науке, исследующее наследие живописца. В честь Леонардо да Винчи открываются музеи, по миру беспрестанно проходят тематические выставки, бьющие все рекорды посещаемости, а «Мона Лиза» целыми днями взирает на толпы туристов из-за бронированного стекла. Реальные исторические факты и легенды, научные достижения и художественный вымысел тесно переплелись вокруг имени одного гения.
Будущий великий художник и учёный родился 14 апреля 1452 года от внебрачной связи зажиточного нотариуса сэра Пьеро с то ли крестьянкой, то ли хозяйкой таверны из городка Винчи. Мальчика назвали Леонардо. Катерина, так звали мать художника, занималась воспитанием сына первые пять лет его жизни, после чего отец забрал мальчика в свой дом.
Хотя Пьеро был официально женат, у него не было других детей, кроме Леонардо. Поэтому появление ребёнка в доме встретили тепло и радушно. Единственное, чего художник так и остался лишен, находясь на полном обеспечении у отца, — это права на наследство. Ранние годы Леонардо проходили безмятежно, в окружении живописной горной природы Тосканы. Восхищение и любовь к родному краю он пронесет через всю жизнь, увековечив его красоту в своих пейзажах.
Тишина и покой провинциальной жизни закончились с переездом семьи во Флоренцию. Жизнь заиграла, забурлили всеми красками настоящего мегаполиса того времени. Управляли городом представители рода Медичи, известные своей щедростью меценаты, которые создали на своей вотчине идеальные условия для развития искусств.
В период их правления, Флоренция стала колыбелью культурной и научной революции, известной как Возрождение. Оказавшись здесь, юный Леонардо попал в самый центр событий, когда город приближался к апогею своего расцвета и славы, пику величия, неотъемлемой частью которого стал молодой художник.
Но величие было впереди, а пока, будущему гению было просто необходимо получить образование. Будучи незаконнорожденным сыном, он не мог продолжать дело своего отца, как и стать, например, адвокатом или врачом. Что, в общем-то, ни как не повредило судьбе Леонардо.
С самых ранних лет юноша демонстрировал незаурядные художественные способности. Пьеро не мог не учитывать этого, когда принимал решение касательно судьбы своего единственного сына. Вскоре отец отдал восемнадцатилетнего Леонардо на обучение в очень успешную и передовую мастерскую живописи. Наставником художника стал известный живописец Андреа дель Вероккио.
Талантливый и широко мыслящий скульптор и художник, Вероккио не проповедовал средневековые эстетические взгляды, а старался идти в ногу со временем. Его живо интересовали образцы античного искусства, которое он считал непревзойденным, в своей работе он стремился возродить традиции Рима и Греции. Тем не менее, признавая и уважая прогресс, Вероккио широко использовал технические и научные достижения своего времени, благодаря которым живопись все больше приближалась к реализму.
Плоские, схематичные изображения времен Средневековья отходили, уступая место стремлению целиком и полностью подражать природе во всем. А для этого надо было владеть приемами линейной и воздушной перспективы, понимать законы света и тени, что означало необходимость владеть математикой, геометрией, черчением, химией, физикой и оптикой. Леонардо обучался у Вероккио азам всех точных наук, параллельно овладевая техникой рисования, моделирования и скульптуры, приобретал навыки работы с гипсом, кожей и металлом. Его талант раскрывался так быстро и явно, что вскоре молодое дарование далеко ушло от своего учителя по мастерству и качеству владения живописью.
Уже в двадцать лет, в 1472 году, Леонардо стал членом почетной флорентийской Гильдии художников. И даже отсутствие собственной мастерской, которой он обзавелся лишь спустя несколько лет, не помешало ему начать свой собственный путь самостоятельного мастера. Несмотря на явные инженерные способности и недюжинный талант к точным наукам, общество видело в художнике лишь ремесленника, не обладающего пока большим престижем. До идеалов свободы и творчества было ещё далеко.
Судьба художника XV века целиком и полностью зависела от влиятельных покровителей. Так и Леонардо на протяжении всей жизни приходилось искать место службы у сильных мира сего, а выполнение отдельных светских и церковных заказов строилось по принципу простого торгового соглашения.
Первые десять лет жизни художника прошли в творческих исканиях и работой над немногочисленными заказами. Пока, однажды до Леонардо не дошел слух, что герцогу Сфорца, правителю Милана, требуется придворный скульптор. Молодой человек тут же решил попробовать свои силы.
Дело в том, что Милан в то время являлся одним из крупнейших центров оружейного производства, а Леонардо с головой был погружен в своё последнее увлечение — разработку чертежей оригинальных и хитроумных машин и механизмов. Поэтому, возможность переезда в столицу инженерного дела, очень его вдохновляла. Художник написал рекомендательное письмо герцогу Сфорца, в котором осмелился предложить себя в качестве не только скульптора, художника и архитектора, но и как инженера, утверждая, что может соорудить корабли, бронированные машины, катапульты, пушки и прочую военную технику. Герцог был впечатлен самоуверенным письмом Леонардо, но удовлетворил его лишь отчасти: он лад художнику должность скульптора. Первым заданием нового придворного скульптора было изготовление бронзовой статуи лошади, предназначенной для украшения фамильного склепа Сфорца. Забавно то, что в силу самых разных обстоятельств, за те семнадцать лет, которые Леонардо провел при миланском дворе, лошадь так и не была отлита. Зато интерес молодого таланта к военному делу, механике и технике в оружейных мастерских только вырос. Почти все изобретения Леонардо относятся к этому периоду.
За свою жизнь, гениальный да Винчи создал многочисленные чертёжи ткацкого, печатного и прокатных станков, металлургических печей и деревообрабатывающей машины. Он первый додумался до идеи вертолетного винта, шарикоподшипников, поворотного подъемного крана, механизма для забивания свай, гидравлической турбины, прибора для измерения скорости ветра, пожарной телескопической лестницы, разводного ключа, редуктора. Леонардо разрабатывал модели всевозможных военных машин — танка, катапульты, подводной лодки. В его эскизах имеются прообразы прожектора водолазного колокола, экскаватора, велосипеда, ласт. А также, самых известных его конструкций, основанных на кропотливом изучении техники полета птиц и структуры птичьего крыла — летательного аппарата, очень напоминающего дельтаплан, и парашюта.
К сожалению, Леонардо не довелось увидеть воплощение подавляющей части своих идей при жизни. Время для них ещё не пришло, отсутствовало необходимое сырье и материалы, создание которых также предвидел гений XV века. Всю жизнь Леонардо да Винчи приходилось мириться с тем, что его грандиозные замыслы слишком сильно опережают эпоху. Лишь в конце XIX века многие из них получат свою реализацию. И, конечно, мастер не подозревал, что и в XX, и в XXI веке миллионы туристов будут любоваться этими изобретениями в специальных музеях, посвященных его творчеству.
В 1499 году Леонардо покинул Милан. Причиной стал захват города французскими войсками во главе с Людовиком XII, лишившийся власти герцог Сфорца бежал за границу. Для художника начался не лучший период в его жизни. В течение четырех лет он постоянно переезжал с места на место, нигде подолгу не задерживаясь. Пока, в 1503 году ему, пятидесятилетнему, вновь пришлось вернуться во Флоренцию — город, где он когда-то работал простым подмастерьем, а теперь, будучи на пике мастерства и славы, работал над созданием своей гениальной «Моны Лизы».
Правда, в Милан да Винчи все же вернулся, спустя несколько лет работы во Флоренции. Теперь, он был там придворным живописцем Людовика XII, контролирующего в то время весь итальянский север. Периодически, художник возвращался во Флоренцию, выполняя тот или иной заказ. Мытарства Леонардо закончились в 1513 году, когда он переехал в Рим к новому покровителю Джулиано Медичи, брату Папы Льва X. Следующие три года да Винчи занимался преимущественно наукой, заказами на инженерные разработки и техническими экспериментами.
Будучи уже в весьма преклонном возрасте, Леонардо да Винчи снова переехал, на этот раз во Францию, по приглашению Франциска I, сменившего на престоле Людовика XII. Остаток жизни гениального мастера прошел в королевской резиденции, замке Лмбуаз, в окружении высочайшего почета со стороны монарха. Сам художник, не смотря на онемение правой руки и постоянно ухудшающегося состояния здоровья, продолжал делать зарисовки и заниматься учениками, которые заменили ему семью, так и не созданную мастером при жизни.
Дар наблюдателя и ученого
С самого раннего детства Леонардо обладал редким талантом наблюдателя. С раннего детского возраста и до конца своей жизни художник, очарованный явлениями природы, мог часами всматриваться в пламя свечи, следить за поведением живых существ, изучать движение воды, циклы роста растений и полет птиц. Живой интерес к окружающему миру дал мастеру множество бесценных знаний и ключи от многих тайн природы. «Природа так совершенно все устроила, что повсюду ты находишь, то, что может дать тебе новые знания» — говорил мастер.
За свою жизнь Леонардо совершал переходы через высочайшие альпийские перевалы, чтобы исследовать природу атмосферных явлений, путешествовал по горным озерам и рекам, чтобы изучить свойства воды. Всю свою жизнь Леонардо носил с собой записную книжку, в которую заносил все, что привлекало его внимание. Особое значение он придавал оптике, считая, что глаз живописца является непосредственным инструментом научного познания.
Отказываясь идти по проторенной современниками дороге, Леонардо искал собственные ответы на волновавшие его вопросы гармонии и соразмерности всего сущего (окружающего мира и самого человека). Художник понял, что если он хочет запечатлеть в своих произведениях самого человека и окружающий мир, не исказив их сути, он должен изучить природу того и другого так глубоко, как это возможно. Начав с наблюдения за видимыми явлениями и формами, он постепенно углублялся в процессы и механизмы, управляющими ими.
Математические знания помогли живописцу понять, что любой предмет или объект является целым, которое неизбежно состоит из множества частей, соразмерность и правильное расположение которых и рождает то, что называется гармонией. Невероятным открытием живописца явилось то, что понятия «природы», «красоты» и «гармонии» неразрывно связаны с конкретным законом, следуя которому образуются абсолютно все формы в природе, начиная от самых дальних звезд на небосклоне, и заканчивая цветочными лепестками. Леонардо понял, что этот закон можно выразить языком цифр, и, используя его, создавать красивые и гармоничные произведения в живописи, скульптуре, архитектуре и любой другой области.
По сути, Леонардо удалось открыть тот принцип, по которому сам Творец Бытия создавал этот мир. Свое открытие художник назвал «Золотая, или Божественная Пропорция». Этот закон уже был известен философам и творцам античного мира, в Греции и Египте, где он широко применялся в самых разных видах искусства. Живописец шел по пути практика, и все свои знания предпочитал обретать на собственном опыте взаимодействия с природой и миром.
Леонардо не скупился делиться с миром своими открытиями и достижениями. Ещё при жизни он работал вместе с математиком Лукой Почоли над созданием книги «Божественная пропорция», а уже после смерти мастера свет увидел трактат «Золотое сечение», полностью основанный на его открытиях. Обе книги написаны об искусстве на языке математики, геометрии и физики. Помимо этих наук художник в разное время серьёзно увлекался изучением химии, астрономии, ботаники, геологии, геодезии, оптики и анатомии. И все для того, чтобы, в итоге, решать задачи, которые он поставил себе в искусстве. Именно посредством живописи, которую Леонардо считал наиболее интеллектуальным видом творчества, он стремился выразить гармонию и красоту окружающего пространства.
Жизнь на холсте
Глядя на творческое наследие великого живописца, можно явственно увидеть, как глубина проникновения Леонардо в основы основ научных знаний о мире наполняла его картины жизнью, делая их все более правдивыми. Создается впечатление, что с людьми, изображенными мастером, можно легко завести беседу, предметы, нарисованные им, повертеть в руках, а в пейзаж войти и затеряться. В образах Леонардо, загадочных и удивительно реалистичных одновременно, очевидна глубина и одухотворенность.
Чтобы понять, что Леонардо считал настоящим, живым творением, можно провести аналогию с фотографией. Фотография, по сути, является лишь зеркальной копией, документальным свидетельством жизни, отражением сотворенного мира, не способным достичь его совершенства. С этой точки зрения фотограф является современным воплощением того, о ком Леонардо сказал: «Живописец, бессмысленно срисовывающий, руководствуясь лишь практикой и суждением глаза, подобен обычному зеркалу, которое подражает всем противопоставленным ему предметам, ничего не зная о них». Настоящий художник же, по мнению мастера, изучая природу и воссоздавая её на полотне, должен превосходить её, «сам придумывая бесчисленные формы трав и животных, деревьев и пейзажей».
Следующей ступенью мастерства и уникальным даром человека, по мнению Леонардо является фантазия. «Там, где природа уже закончила производить свои виды, сам человек начинает из природных вещей творить с помощью этой же природы бесчисленные виды новых вещей». Развитие воображение — первое и самое основное, что должен делать художник, по мнению да Винчи, именно об этом он пишет на страницах своих рукописей. В устах Леонардо это звучит как Истина с большой буквы, потому, что сам он многократно доказал это всей своей жизнью и творческим наследием, включающим так много гениальных догадок и изобретений.
Неуемное стремление к познанию Леонардо коснулось практически всех областей человеческой деятельности. За свою жизнь мастер смог проявить себя как музыкант, поэт и литератор, инженер и механик, скульптор, архитектор и урбанист, биолог, физик и химик, знаток анатомии и медицины, геолог и картограф. Гений да Винчи нашёл своё применение даже в создании кулинарных рецептов, разработке одежды, составлении игр для дворцовых развлечений и проектировании садов.
Леонардо мог похвастаться не только необычайно разносторонними знаниями и широким спектром умений, но и почти идеальной внешностью. По словам современников, он был высоким, красивым человеком, прекрасно сложенным и наделенным большой физической силой. Леонардо отлично пел, был блестящим и остроумным рассказчиком, танцевал и играл на лире, обладал изысканными манерами, был обходителен и просто очаровывал людей одним своим присутствием.
Возможно, именно эта его незаурядность практически во всех сферах жизни и вызывала такое опасливое отношение к нему консервативного большинства, с опаской воспринимающего новаторские идеи. За гениальность и нестандартное мышление его не раз клеймили как еретика и даже обвиняли в служении дьяволу. Видимо таков удел всех гениев, приходящих в наш мир, чтобы ломать устои и вести человечество вперед.
Словом и делом отрицая опыт прошлых поколений, великий живописец говорил, что «картина у живописца мало будет совершенна, если он берет картины других в качестве вдохновителя». Это касалось и всех остальных областей знаний. Леонардо уделял огромное внимание опыту как главному источнику представлений о человеке и мире. «Мудрость есть дочь опыта», говорил художник, её нельзя приобрести, всего лишь изучая книги, ведь те, кто их пишет, всего лишь посредники между людьми и природой.
Каждый человек это дитя природы и венец творения. Ему открыты бесчисленные возможности познания мира, неразрывно связанного с каждой клеточкой его тела. Посредством изучения мира Леонардо познавал себя. Вопрос, мучающий многих историков искусства, заключается в том, что же больше интересовало да Винчи — живопись или познание? Кем в итоге он был — художником, учёным или философом? Ответ, по сути прост, как истинный творец, Леонардо да Винчи гармонично сочетал все эти понятия в себе одном. Ведь можно обучиться рисованию, уметь владеть кистью и красками, но это не сделает вас художником, ибо настоящее творчество это особое состояние чувств и отношение к миру. Наш мир ответит взаимностью, станет музой, откроет свои тайны и позволит проникнуть в самую суть вещей и явлений лишь действительно любящему его. По тому, как жил Леонардо, по всему, что он делал, очевидно, что он был страстно влюбленным человеком.
Изображения Мадонны
Произведение «Благовещение» (1472-1475, Лувр, Париж) написано молодым живописцем в самом начале его творческого пути. Картина с изображением Благовещения предназначалась для одного из монастырей не далеко от Флоренции. Она породила много споров среди исследователей творчества великого Леонардо. Сомнения относятся в частности к тому, что произведение является полностью самостоятельной работой художника. Надо сказать, подобные споры вокруг авторства не редкость для многих произведений Леонардо.
Выполненная на деревянной панели внушительных размеров — 98 х 217 см, работа показывает тот момент, когда спустившийся с небес архангел Гавриил, сообщает Марии, что она родит сына, которого назовет Иисус. Традиционно считается, что Мария в это время как раз читает тот самый отрывок пророчеств Исайи, где упоминается о будущем свершении. Сцена не случайно изображена на фоне весеннего сада — цветы в руке архангела и под его ногами и символизируют чистоту Девы Марии. И сам по себе сад, окруженный низкой стеной, традиционно отсылает нас к безгрешному образу Богоматери, отгороженной своей непорочностью от внешнего мира.
Интересный факт связан с крыльями Гавриила. На картине явно различимо, что они были дорисованы позже — неизвестный художник удлинил их в весьма грубой живописной манере. Изначальные же крылья, которые изобразил Леонардо, остались различимы — они намного короче и, вероятно, были срисованы художником с крыльев настоящей птицы.
В этом произведении, если присмотреться внимательнее, можно найти несколько ошибок, сделанных ещё неопытным Леонардо в построении перспективы. Самой очевидной из которых является правая рука Марии, зрительно расположенная ближе к зрителю, чем вся её фигура. В драпировках одежды пока нет мягкости, они выглядят слишком тяжелыми и застывшими, как будто сделанными из камня. Здесь надо учесть, что именно так учил Леонардо его наставник Вероккио. Эта угловатость и резкость свойственна практически всем работам художников того времени. Зато в дальнейшем, на пути к обретению собственного живописного реализма, Леонардо будет развиваться сам и поведет за собой всех остальных художников.
В картине «Мадонна Литта» (около 1480 года, Эрмитаж, Санкт-Петербург) Леонардо удалось создать невероятно выразительный женский образ с помощью практически единственного жеста. На полотне мы видим полную задумчивости, нежную и умиротворенную мать, любующуюся на своё дитя, сосредоточив в этом взгляде всю полноту чувств. Без такого особенного наклона головы, столь свойственного многим произведениям мастера, который он часами изучал создавая десятки подготовительных рисунков, многое от впечатления безграничной материнской любви пропало бы. Лишь тени в уголках губ Марии как бы намекают на возможность улыбки, но сколько нежности придает это всему лицу. По размеру произведение совсем небольшое, всего 42 х 33 см, наиболее вероятно, что оно было предназначено для домашнего поклонения. Действительно, в Италии XV века живописные изображения Мадонны с Младенцем пользовались довольно большой популярностью, их часто заказывали художникам зажиточные горожане. Предположительно, «Мадонна Литта» изначально была написана мастером для правителей Милана. Затем, сменив нескольких владельцев, она перешла в частную семейную коллекцию. Современное название произведения происходит от имени графа Литта, владевшего фамильной картинной галереей в Милане. В 1865 году именно он продал её Эрмитажу совместно с несколькими другими картинами.
В правой руке младенца Иисуса почти сокрыт незаметный с первого взгляда птенец, служащий в христианской традиции символом Сына Божьего и Его детства. Вокруг полотна ходят споры, вызванные слишком четкими контурами рисунка и некоторой неестественностью позы ребёнка, что заставляет многих исследователей предположить, что активное участие в создании картины принимал один из учеников Леонардо.
Первым живописным произведением, в котором виден раскрывшийся талант мастера, стало полотно «Мадонна в гроте» (около 1483 года, Лувр, Париж). Композиция была заказана для алтаря капеллы в миланском храме Св. Франциска и предполагалась как центральная часть триптиха. Заказ был разделен между тремя мастерами. Один из них создавал боковые панели с изображением ангелов для алтарного образа, другой — резное обрамление готового произведения из дерева.
Церковники заключили очень подробный контракт с Леонардо. В нём были оговорены мельчайшие детали картины вплоть до стиля и техники исполнения всех элементов и даже цвета одежд, от которых художник ни на шаг не должен был отклоняться. Так, на свет появилось произведение, рассказывающее о встрече младенца Иисуса и Иоанна Крестителя. Действие происходит в глубине грота, в котором мать и сын укрываются от преследователей, посланных царем Иродом, увидевшем в Сыне Божьем прямую угрозу своей власти. Креститель устремляется к Иисусу, сложив ладони в молитве, тот, в свою очередь, жестом руки благословляет его. Молчаливым свидетелем таинства является ангел Уриэль, смотрящий в сторону зрителя. Отныне он будет призван оберегать Иоанна. Все четыре фигуры так искусно расположены на картине, что, кажется, образуют единое целое. Всю композицию хочется назвать «музыкальной» так много нежности, гармонии и плавности в её персонажах, объединенных между собой жестами и взглядами.
Эта работа далась художнику очень непросто. Временные рамки были строго оговорены в контракте, но, как нередко случалось с живописцем, он не сумел уложиться в них, что повлекло за собой судебные разбирательства. После долгих тяжб, Леонардо пришлось написать ещё одну версию этой композиции, хранящуюся сейчас в Национальной Галерее Лондона, нам она известна как «Мадонна в скалах».
Знаменитая фреска миланского монастыря
В стенах миланского монастыря Санта Мария делла Грацие, точнее в его трапезной, хранится один из величайших шедевров живописи и главное национальное достояние Италии. Легендарная фреска «Тайная вечеря» (1495-1498) занимает пространство 4,6 х 8,8 м, и описывает драматический момент, когда, окруженный учениками Христос изрекает печальное пророчество «Один из вас предаст меня».
Живописец, которого всегда привлекало изучение человеческих страстей, хотел запечатлеть в образах апостолов простых людей, а не исторических персонажей. Каждый из них по-своему откликается на происходящее событие. Леонардо поставил своей задачей с максимальной реалистичностью передать психологическую атмосферу вечера, донести до нас различные характеры его участников, с точностью психолога обнажая их душевный мир и противоречивые переживания. В разнообразии лиц героев картины и их жестов есть место практически всем эмоциям от удивления до яростного гнева, от растерянности до печали, от простого неверия до глубокого потрясения. Будущий предатель Иуда, которого традиционно все художники до этого отделяли от общей группы, в этом произведении сидит вместе с остальными, явно выделяясь мрачным выражением лица и тенью, словно окутавшей всю его фигуру. Учитывая открытый им принцип золотого сечения, Леонардо с математической точностью выверил расположение каждого из учеников. Все двенадцать апостолов разделены на четыре практически симметрические группы, выделяющие фигуру Христа в центре. Прочие детали картины призваны не отвлекать внимание от персонажей. Так, стол намеренно сделан чрезмерно маленьким, а само помещение, в котором происходит трапеза, строгим и простым.
Работая над «Тайной вечерей» Леонардо провел эксперимент с красками. Но, к сожалению, придуманный им состав грунта и краски, для которого он сочетал масло и темперу, оказался совершенно нестойким. Следствием этого стало то, что спустя всего двадцать лет после написания, произведение начало стремительно и необратимо портиться. Конюшня, которую устроила армия Наполеона в помещении, где была расположена фреска, усугубила уже существовавшую проблему. Как следствие, практически с начала своей истории и до нынешних дней над этим монументальным полотном проводятся реставрационные работы, только благодаря которым его все-таки удается сохранить.
Зав Сю свою долгую жизнь, Леонардо да Винчи создал не более двадцати живописных полотен, часть из которых осталась незавершенной. Подобная удивительная для того времени не плодовитость настораживала заказчиков, ну а та не спешность с которой мастер имел обыкновение работать над своими картинами, и вовсе стала притчей во языцех. Остались воспоминания монаха монастыря Санта Мария делле Грацие, наблюдавшего за работой живописца над знаменитой фреской «Тайная Вечеря». Вот как он описывал рабочий день Леонардо: художник ранним утром забирался на леса, воздвигнутые вокруг картины, и мог не расставаться с кистью до глубокой ночи, совершенно забывая о еде и отдыхе. Но в другой раз, он часами, дни напролет, пристально рассматривать своё творение, не нанося ни единого мазка. К сожалению, не смотря на все старания мастера, из-за неудачного эксперимента и материалами, фреска из миланского монастыря стала одним из самых сильных разочарований художника.
Загадочная «Мона Лиза»
Зато картина «Мона Лиза» заняла в его жизни огромное место. С самого момента написания знаменитого полотна и до конца своей жизни Леонардо будет с ним неразлучен, как с самым бесценным своим сокровищем. В чем секрет того грандиозного впечатления, которое производит эта небольшая по размеру картина (лишь 77×53 см), веками гадают миллионы зрителей, видевших её хоть раз.
Крайне удивителен тот факт, что в записях Леонардо да Винчи нет ни одного упоминания об этом портрете. Нет сведений, ни кто поручил ему работу над холстом, ни кто послужил для него моделью, ни как проходил процесс её создания. Художник, всю жизнь делавший записи обо всем на свете, ни разу не упомянул сове величайшее творение.
Нет совершенно никаких документальных свидетельств, но пытливые умы специалистов необычайно далеко продвинулись в своих догадках. В разное время, кандидатками в героини полотна становились то герцогиня Матуй Изабелла д’Эсте, над портретами которой трудился в тот период Леонардо, то некая флорентийская госпожа по имени Пачифика Брандано, бывшая любовницей знатного мецената Джулиано Медичи. Ряд исследователей уверяют, что никакой модели вовсе и не было, а Леонардо создал идеальный собирательный образ женщины. Другие уверены, что он воссоздал по памяти черты своей матери. Третьи доказывают, что это юноша в женском одеянии, бывший учеником, а возможно, и любовником самого живописца — Джнана Джакомо Капроти, находившегося рядом с Леонардо последние 26 лет (кстати, именно ему художник завещал картину). Ну и последняя, из самых популярных версий, говорит нам о том, что «Мона Лиза» является автопортретом самого Леонардо да Винчи.
Абсолютно все догадки, не имеют ни каких реальных доказательств. Существует и официальная версия. В ней утверждается, что на картине изображена жена богатого флорентийского купца Франческо дель Джокондо — Лиза Герардини. Точной даты создания картины также не известно, считается, что работа над «Джокондой» проходила в период между 1503 и 1513 годом. Предположительно, позировать будущая «Мона Лиза», а тогда просто Лиза Герардини, начала, когда ей было где-то двадцать четыре года. Приставка «мона», опять же, предположительно, ни что иное, как сокращение слова «мадонна», которое в переводе с итальянского значит «дама, госпожа».
Оживший образ
Для всей эпохи Возрождения было характерно провозглашение человека венцом природы, её наиболее совершенным творением. Как следствие, и в живописи, стремившейся во всем подражать природе, истинным показателем мастерства художника становится именно умение изображения человека. Причем, важно было передать не только характерные особенности внешнего облика модели. Наиболее важным считалось умение раскрыть личность портретируемого. Здесь и начинаются вопросы и искания, как показать невидимое, как передать на картине темперамент и скрытые душевные качества, присущие персонажам?
У Леонардо, конечно же был свой ответ и на эти вопросы. Художник советовал писать героев с такими жестами, которые отражали бы их состояние души. «Если фигуры не делают определенных жестов, причем таких, которые членами тела выражали бы представление их души, то эти фигуры дважды мертвы: преимущественно мертвы потому, что живопись сама по себе не живет, а является лишь выразительницей живых предметов без жизни, если же к ним не присоединяется жизненность движения (жеста), то они оказываются мертвыми ещё один раз», считал мастер.
При этом, не обязательно прибегать к сложным ракурсам и замысловатым движениям, сам живописец так никогда не делал. Леонардо удавалось достигнуть вершин мастерства в создании насыщенности и глубины образа при практически полном отсутствии внешнего движения. Лицо «Моны Лизы» озарено едва уловимой улыбкой, которая придает ему какое-то особенное выражение. В женщине, смотрящей с портрета, все просто, естественно и одновременно очень загадочно. Она то ли о чем-то думает, то ли что-то вспоминает. Леонардо создал, без преувеличения, совершенно живое лицо живого человека. Ему удалось не срисовать, а воссоздать свою модель на холсте, явив настолько живой и одухотворенный образ, что это почти пугает. Создается ощущение, что не зритель смотрит на Джоконду, а она сама глядит на него глубоким, осмысленным взглядом. Многие утверждают, что, находясь в одном помещении с картиной, создается впечатление, что взгляд «Моны Лизы» всегда направлен на зрителя, куда бы он не перемещался. Некоторые также утверждают, что лицо Джоконды меняется, в зависимости от того, с какого ракурса на нее смотреть. Получается, что это не картина, а настоящее присутствие героини, созданной величайшим гением Леонардо да Винчи.
Непревзойденное мастерство
Как же живописцу удалось создать такой удивительный эффект? Как заставить жить собственной жизнью слой красок на плоской поверхности деревянной панели? Какое волшебство применил Леонардо, используя лишь кисть и палитру, чтобы миллионы зрителей поверили в «Джоконду», как в настоящую?!
Искусствоведы тщательно изучили картину. Если говорить о технике её исполнения, то здесь надо отметить, что произведение выполнено почти прозрачными, необычайно тонкими слоями нанесенного цвета, покрывающими исходный рисунок. Когда предыдущее покрытие высыхало, мастер накладывал следующее, и так, много-много раз, проявляя завидное терпение и виртуозность.
Результатом такого кропотливого труда, этой необычайно многослойной живописи, стал настолько плавный переход одних цветов в другие, что первоначальные контурные линии рисунка как бы растворены. И именно это отсутствие границ между светом и тенью, мягко сливающимися друг с другом и создают ощущение живого объема. Ещё одним невероятным достижением Леонардо стало беспрецедентное для живописи того времени изображение толщи воздуха. Художник наполняет пространство картины еле заметной дымкой, благодаря которой в произведении появляется глубина.
Этот эффект дымки, рассеянного мягкого света Леонардо назвал итальянским термином «сфумато». Мазки кисти художника были настолько мелкими, что ни рентген, ни микроскоп не позволяют обнаружить ни следов его работы, ни определить количество нанесенных слоев краски. Множество художников на протяжении сотен лет пытались повторить прием Леонардо, но ни кому из них это не удалось. До сих пор, «Мона Лиза» считается непревзойденной с точки зрения техники живописи.
И все это даже не смотря на то, что мы имеем возможность видеть уже довольно измененную картину. Шедевру великого Леонардо уже очень много лет, за это время произошли некоторые изменения, в частности в цветовой палитре полотна. Первый биограф живописца Джорджпо Вазари, живший в XVI веке, в своих описаниях произведения с восхищением упоминает малиновые оттенки в цветовой гамме палитры, использованной при написании лица Лизы Герардини. Сегодня же, ничего подобного увидеть на картине уже нельзя.
На соотношении цветов в картине повлияли и лаковые покрытия, которые после Леонардо были нанесены на поверхность шедевра, чтобы обеспечить его лучшую сохранность, они же, и создали замутненный эффект. Сейчас мы смотрим на изображение дамы, которое как будто просвечивает сквозь толщу морской воды. Претерпела изменения и композиция картины — были полностью утрачены две колонны, располагавшиеся ранее по бокам от главной фигуры. А ведь эти архитектурные элементы полностью меняли восприятие композиции, так как благодаря ним сразу было понятно, что героиня картины сидит на балконе трассы, а вовсе не подвешена в пространстве, как это иногда кажется.
Законы гармонии
При создании шедевра, Леонардо, естественно использовал открытый им закон «золотой пропорции». Все элементы картины расположены строго определенным образом. Они следуют закону божественной, гармоничной пропорции. Фигура Джоконды соотносится с правилом «золотого треугольника» с математической точностью, идеально соответствуя всем частям правильного звездчатого пятиугольника. С точки зрения зрителя, различающего окружающие предметы по форме, это очень важно, хотя и не осознается самим человеком.
Очень часто интуитивно мы считаем привлекательными и тянемся именно к тем формам, которые подчиняются закону пропорции. Древние мудрецы и мастера знали это, а современные учёные доказали экспериментально. Этот закон действует не только для живописи, но и для психологии, промышленного дизайна. Создание форм и образов для современной рекламы основывается на законе гармонии, просто мы об этом не знаем и не задумываемся.
Волшебство истинного искусства
Можно очень много написать про волшебство и невероятность шедевра Леонардо, но слова – это всего лишь слова, чтобы понять, что такое «Мона Лиза», её необходимо увидеть. Лишь посмотрев ей в глаза, можно прочувствовать все то, что пишут о ней искусствоведы, критики и обычные люди.
К сожалению, фотографии и репродукции стирают жизнь с лица Джоконды, и волшебство её образа бесследно пропадает. Фотография дает лишь общее представление о произведении, она только помеха для тех, кто мечтает насладиться общением с живыми творениями. Фотография лишь посредник, как и любые рассуждения о шедевре многочисленных искусствоведов. Ни одна книга не расскажет вам о том, что лично вам сообщит неподвижная Джоконда. Как говорил сам великий создатель картины: «Кто может идти к источнику, не должен идти к кувшину». Ни какие знания не помогут чувствовать, в общении с истинными, живыми произведениями искусства нужна лишь собственная душевная чуткость. Во встрече с «Мона Лизой» каждому самостоятельно придется искать разгадку её тайны. Доказано, что у разных людей она вызывает самые разные чувства и ассоциации, у кого-то оживляет личные воспоминания, кого-то наводит на размышления. Одни Уверены, что её грустно, другие, что задумчивым, третьим оно кажется лукавым, а кому-то даже зловещим. Ну а кто-то решит, что она вообще не улыбается, и вся её мистическая таинственность – выдумка.
Отражение великого Леонардо
Популярный факт о том, что при наложении автопортрета Леонардо на изображение «Моны Лизы» верхняя часть лица почти полностью совпадет можно объяснить с научной точки зрения. Искусствоведы говорят, что как Творец вложил в человека душу, живописец вкладывает частичку себя в своё творение. Чувствуя, как невероятно сильно он связан буквально с каждым собственным произведением, Леонардо да Винчи неоднократно рассуждал о том, что «созданные фигуры очень часто похожи на своих мастеров. Происходит это потому, что суждение наше – и есть то, что движет нашу руку при создании всех очертаний данной фигуры».
Смотря на произведение искусства, наблюдатель не только видит то, что изображено на нем. Самое главное, что происходит — он соприкасается с внутренним миром живописца и узнает его самого. Быть может, поэтому сдержанная, почти эфемерная улыбка Джоконды будоражит сердца и умы людей своей непостижимостью вот уже столько времени? В ней ощущается вся мудрость знания истинной природы окружающих предметов, накопленная Леонардо да Винчи. Возможно, через своё любимое детище сам художник смотрит на нас с легкой усмешкой. Кажется, что весь опыт мира, воплощенный в форму женщины, собран в этом небольшом портрете. Проникнуть в тайну Джоконды то же самое, что постичь гения её создавшего.
И в Риме, и в Милане, и в своем последнем пристанище, французском Амбуазе, Леонардо никогда не расставался с этим полотном. А после своей смерти, завещал «Мона Лизу» своему помощнику и ученику, который вскоре продал картину жаркому почитателю и последнему покровителю мастера, французскому королю Франциску I.
Целые поколения монархов любовались картиной в Версале, до тех пор, пока Людовик XV не велел переместить её в хранилище дворца. После Великой французской революции Наполеон переместил шедевр в свою личную спальню во дворце Тюильри. Позже, «Мона Лиза» попала в музеи Наполеона в Лувре. Откуда она была похищена 21 августа 1911 года. Похитителем был итальянец, безмерно почитавший произведения великого мастера, по имени Винченцо. Он мечтал вернуть полотно на родину художника и почти три года скрывал шедевр в собственном доме. Все это время, вплоть до своего возвращения в Лувр Джоконда не сходила с обложек журналов и газет всего мира. Так, уже в начале XX века «Мона Лиза» стала самым узнаваемым произведением в истории мирового искусства, а споры и разговоры о ней продолжаются, и по сей день.
Взгляд на себя
Художники эпохи Возрождения имели обыкновение помещать изображение себя самого где-нибудь в глубине картин, над которыми они работали. Быть может, Леонардо не стал исключением и изобразил себя в роли молодого пастуха на подготовительном рисунке к полотну «Поклонение Волхвов». Помимо прочего существует мнение, что он часто запечатлевал свои черты в целях изучения пропорций человеческого лица. Тем не менее, все это лишь догадки, не имеющие бесспорных доказательств. Единственный портрет художника, чья подлинность не вызывает сомнений — «Автопортрет» (Королевская библиотека, Турин), написанный около 1515 года, размером 33 х 21 см, который сейчас печатается в каждом иллюстрированном издании, посвященном жизни и творчеству Леонардо да Винчи.
Один из художников XVI века, Джованнп Ломаццо так описал его: «Голова его была покрыта такими длинными волосами, а брови были такие густые и борода такая внушительная, что он казался подлинным олицетворением благороднейшей учености, каковой раньше были древний Прометей и друид Гермес».
Мастер создал свой «Автопортрет», когда ему было уже около шестидесяти лет. Леонардо потратил всю жизнь на изучение окружающего мира, природы и людей, и теперь, когда его творческий и жизненный путь близился к концу, пришел момент взглянуть на себя самого. Художник сделал это не просто, как смотрятся в зеркало, а взглянул на себя с позиции художника, способного проникнуть в глубинную суть вещей и уверенными движениями руки запечатлеть увиденное и познанное на плоской поверхности листа.
Этот автопортрет, лучше, чем что-либо другое, обнажает мастера не только перед другими, но, в первую очередь, перед самим собой. Всего несколько линий набросал Леонардо кусочком красной сангины, но, кажется, он не мог быть более честен. Лишь юность — пора самолюбования, зрелости это уже ни к чему. Перед нами предстает человек со взглядом мудреца, черты его суровы и в тоже время спокойны. Образ его не похож на утомленного старца, скорее на гения, обладающего невероятной внутренней силой, душа которого все ещё полна страсти. Леонардо серьезен, сосредоточен и как будто полон решимости. Этот быстрый рисунок смог передать законченный образ, к которому больше нечего добавить. Судьба рисунка долгое время не была известна. Его обнаружили только к концу XIX века, когда итальянский монарх Карл Альберт Савойский выкупил его у неизвестного коллекционера и передал на сохранение в Королевскую библиотеку Турина.
Умер великий Леонардо да Винчи 2 мая 1519 года. Спустя столетия мастер остается символом безграничных устремлений человеческого разума, творцом, гением и провидцем, наделенным почти сверхчеловеческими способностями. Все попытки проникнуть в тайны, которые художник оставил в наследство людям, сродни стремлению понять суть самого искусства, как высшего проявления человека.
